Igor Lapsky

CINEMA EM SALA DE AULA: PARA ALÉM DO FILME HISTÓRICO

Igor Lapsky¹

Introdução

O uso de filmes em sala de aula é uma realidade para o professor. Muitos, ao pensarem em temáticas relacionadas a distâncias temporais distintas, que vão desde a Antiguidade até a Guerra Fria, optam por utilizar películas para retratar uma época e discutir elementos específicos desenvolvidos na história. Desta forma, é escolhido em sala de aula a categoria filmes históricos, utilizada primeiramente por Marc Ferro na década de 1970. No artigo “O filme: uma contra-análise da sociedade?” (1975), o autor desenvolve o argumento em prol da utilização dos filmes como fonte histórica e operacionaliza a relação cinema-História a partir de produções relacionadas à Revolução Russa.

Partindo da análise de Marc Ferro, outras produções enalteceram a importância do uso de filmes nas pesquisas históricas, desenvolvendo argumentos embasados na categoria cunhada por Ferro. Autores como Pierre Sorlin (1980; 1992), Christian Délage (2013), na França, Jorge Nóvoa (2009), no Brasil, e Robert Rosenstone (2010), nos Estados Unidos, discutiram a forma de trabalhar os filmes, trazendo novas possibilidades para os historiadores desenvolverem métodos para análise de filmes históricos.

No âmbito do ensino de História, muitas produções sobre o uso de filmes em sala de aula pelo professor já foram desenvolvidas. A tese central é que o cinema não pode ser tratado como uma forma de “diversão” ou “passatempo” para os alunos e o professor e os filmes utilizados em sala devem passar por um planejamento para utilização, pois é uma ferramenta importante para ilustrar determinados períodos aos alunos, a partir dos diversos elementos existentes em um filme.³ Nesse sentido, a operacionalização do uso das produções cinematográficas se dá a partir de narrativas históricas, atreladas a algum período que está sendo estudado em sala.

Desta forma, precisamos partir para algumas reflexões: por que somente filmes históricos? É possível trabalharmos com outras possibilidades? O objetivo deste artigo é analisar o uso de filmes de ficção como ferramenta de debate em sala de aula. Para tal, utilizaremos exemplos de análise que podem ser feitos com filmes de grande bilheteria nos Estados Unidos (blockbusters), que possuem maior alcance nas diferentes localizações e classes sociais.

A tese central que desenvolvemos nesse trabalho é que é possível trabalhar com filmes de ficção nas aulas de História. Partindo da conceituação de Marc Bloch em Apologia da História ou o Ofício do Historiador em que o autor diz que “História é o estudo dos homens no tempo” e que a História do Tempo Presente é um campo de trabalho consolidado para os historiadores, as produções cinematográficas de ficção possuem uma estreita relação com os anseios daquela sociedade no período em que o filme foi produzido. Desta forma, analisar as grandes bilheterias é compreender uma representação da sociedade, a partir de suas agendas e posicionamentos enquanto grupo.

Para desenvolvermos nossa tese, é preciso compreender a forma de funcionamento do cinema enquanto uma indústria cultural consolidada, que possuiu relações estreitas com a sociedade. Desta forma, analisaremos o papel de Hollywood nesse processo para então realizarmos um exercício de trabalho com filmes de grande bilheteria, como Avatar (2009) e Os Vingadores (2012).

Cinema das massas – o sistema de Hollywood

O cinema foi uma inovação tecnológica que desde sua criação no final do século XIX foi voltado para o grande público. Ao contrário das casas de ópera e dos teatros da época, exclusivos para as camadas mais abastadas da sociedade, as exibições de filmes eram para trabalhadores, custando apenas um nickel (cinco centavos de dólar) nos Estados Unidos nos primeiros anos do século XX.

O complexo de Hollywood é fruto da mudança de localização de diversas produtoras independentes devido ao truste formado em 1907 pelas maiores empresas cinematográficas dos Estados Unidos chamado de Moving Picture Patents Company (MPPC).² Além do truste, outra causa das mudanças de diversos produtores para a costa oeste dos Estados Unidos deve-se à cobrança de patentes da empresa de Thomas Edison, localizada em Nova Jersey, que reclamava a exclusividade do uso da tecnologia utilizada para a gravação e exibição de filmes.

Clima, vegetação e paisagens também contribuíram para a mudança das companhias para o oeste dos Estados Unidos, permitindo a utilização da paisagem próxima aos estúdios para gravação de filmes. Este fator é fundamental para compreendermos a quantidade de westerns (faroestes) lançados pelas produtoras, o principal gênero de filme norte-americano nos primeiros anos do cinema no país.

O sistema de produção de Hollywood foi sendo desenvolvido com objetivo de lançar grande quantidade de filmes para produzir lucro aos produtores. Os estúdios no local passaram a centralizar todas as etapas de produção de filme: gravação em lugares fixos ou paisagens próximas ao complexo, processo de edição, organização, divulgação e distribuição. O objetivo do complexo era manter a produção de filmes em escala, possibilitando as mais de 20 mil salas de cinema dos Estados Unidos nos anos 1910, ter novos trabalhos cinematográficos em exibição semanal, pois a fórmula inicial, em que os lançamentos eram exibidos quinzenalmente, não era suficiente para manter o funcionamento de todas as salas de cinema.

A dificuldade em torno da manutenção dos cinemas estava na estrutura complexa que existia no funcionamento das mesmas. Segundo o professor emérito da Universidade de Maryland, Douglas Gomery, o sistema implantado em 1916 pela empresa Balaban & Katz, em Chicago, obteve muito sucesso e foi disseminado por todo o país (1997; 43-52). Segundo o autor, a empresa adotou uma estratégia em 5 estágios para captação de público no cinema:

1.      Localização: a escolha do local para ser construída sala de cinema deveria ser através do critério de concentração de capital. Considerando que a sociedade norte-americana trabalhava no centro da cidade e a classe alta possuía prédios na região, Balaban & Katz montavam cinemas nestas regiões, pois assim as salas estariam sempre cheias, devido ao grande volume de filmes lançados.

2.      Arquitetura: os cinemas, como ficavam em locais com grande circulação de capital, grandes construções com design clássico, que remetiam à França e Espanha, com detalhes de arte contemporânea. As casas possuíam escadas monumentais, tornando a entrada do público um momento espetacular, com salões espaçosos e um grande letreiro luminoso na entrada. As salas eram baseadas nos grandes teatros e casas de ópera, onde as pessoas eram divididas em balcões e plateia.

3.      Serviços: durante os primeiros anos do cinema, não existia uma preocupação em fazer filmes voltados para o público infantil, dificultando o acesso das famílias ao cinema. Diante deste quadro, Balaban & Katz ofereciam um serviço para cuidar de crianças em locais específicos nos cinemas: grandes salas com brinquedos eram construídas para pais deixarem seus filhos com pessoas contratadas para cuidar deles durante a exibição do filme.

4.      Atrações: eventos especiais eram realizados durante feriados, como musicais e rápidos shows de palco que antecediam o filme. Além disso, uma orquestra se localizava dentro da sala para tocar música de acordo com o gênero e cenas dos filmes, para melhorar a experiência do público.

5.      Estrutura: antes do sistema de Balaban & Katz, os cinemas nos Estados Unidos ficavam fechados na época do verão por causa do calor intenso nas salas de projeção. Além de todo o serviço oferecido ao público, a empresa também fez os primeiros experimentos de ar-condicionado no cinema, através da utilização de sistema de gelo picado nas tubulações, possibilitando a abertura das salas. O ar-condicionado foi um dos principais meios de captação do público, pois as propagandas durante o verão utilizavam o cinema, além de ser diversão, como um meio de amenizar a temperatura da época.

O sistema implantado por Balaban & Katz foi disseminado por todo o país com muito sucesso e todos os elementos analisados acima ainda permanecem como estratégia de captação de público no cinema.

O sistema hollywoodiano para obtenção de lucro com o cinema também permitiu o desenvolvimento da imagem dos artistas, que eram utilizados como ferramenta publicitária dos filmes. Com isso, as preferências por determinados atores permitiram a constituição de grupos de fãs, que compravam revistas sobre a vida das estrelas. Assim, o sistema de estrelato (star system) se consolidou nos Estados Unidos, levando o modelo para outros países.

Os códigos de conduta da indústria cinematográfica norte-americana: da criação do monopólio ao lobby político

Um dos elementos fundamentais para situarmos o desenvolvimento do cinema norte-americano como uma indústria produtora de filmes com histórias comuns é o estabelecimento de códigos de conduta dos filmes. Segundo Douglas Gomery (2008), estes códigos serviam para garantir o monopólio da produção e, principalmente a distribuição de filmes nos Estados Unidos, uma vez que o número de produtoras naquele momento propiciava uma alta concorrência nas grandes cidades.

A primeira tentativa de monopólio a partir da formação de trustes foi o Motion Pictures Patent Company (MPPC), fundado por Thomas Edison em 1908 para controlar o uso de equipamento pela Biograph, Edison, Vitagraph e empresas concorrentes no cenário internacional, como a Pathé. O acordo tinha como objetivo enfraquecer as produtoras que estavam surgindo e criar modelos para o cinema norte-americano. Neste sentido, o processo de produção de filmes foi padronizado desde a quantidade de rolo, que determinava a duração, até o processo de distribuição, só permitido para salas cadastradas ao grupo. Com o desenvolvimento de outros gêneros, principalmente o épico, e o fortalecimento de Hollywood, o MPPC foi a falência em 1918, devido a sua iniciativa ter sido considerada ilegal nos Estados Unidos (GOMERY, 2008; p.7), acompanhado da instauração do modelo industrial pensado por Adolph Zukor, dono e fundador da Paramount Pictures.

Adolph Zukor estruturou um modelo de produção nas bases industriais. O sistema de estúdio, em que as várias etapas da elaboração do filme são feitas em um local, possibilitou o aumento da produtividade das empresas em crescimento, que passaram a dominar o mercado norte-americano a partir da década de 1920, quando os filmes sonoros começaram a ser realizados. Neste contexto, são criados diversos organismos para controlar a produção e manter o monopólio dos Big Five, composto por Paramount, MGM, Fox, Warner e RKO, como a Motion Picture Producers and Distributors of America (MPPDA) em 1922 por Will H. Hays.

Hays, presidente do órgão entre 1922 e 1945, montou uma série de regras ao longo da década de 1920, conhecidas como Código Hays, que as empresas deveriam cumprir para terem seus filmes distribuídos para os cinemas do país. Os filmes não poderiam ter cenas de sexo, nudez, cenas de amor prolongadas, tornar vícios atraentes, como o jogo e a bebida, ofender crenças religiosas, enfatizar violência e divulgar gestos vulgares (GOMERY, 2008. P. 67). Com isto, Hays, influente no Partido Republicano, argumentava que a própria indústria tinha seus mecanismos de censura, conseguindo findar as tentativas de intervenção do governo na produção de filmes. Porém, com os anos 1930 e a entrada de Franklin Delano Roosevelt na presidência dos Estados Unidos, Hays precisou ceder e aliou o código de conduta com as exigências do governo, firmando uma parceria que embasaria a produção de filmes ao longo da Segunda Guerra Mundial e da Guerra Fria. Com a morte de Roosevelt em 1945, Hays é substituído do cargo pelo Eric Johnston, republicano e membro da Câmara de Comércio dos Estados Unidos.

Johnston formulou o código pensado por Hays durante a Guerra Fria, baseado no anticomunismo idealizado pelo presidente Henry Truman e o senador Joseph McCarthy. Sua primeira iniciativa foi alterar o nome do órgão para Motion Pictures Association of America(MPAA), nomenclatura existente até os dias atuais. Segundo Gomery, Johnston utilizou sua grande influência tanto na política quanto em Hollywood para projetar os ideais norte-americanos pelo mundo, sendo considerado um melhor gestor do que Hays. Uma das principais tomadas por Jonhston medidas foi a revisão do código com objetivo de conseguir competir com a indústria da televisão, que tinha uma proposta de levar a experiência do cinema para as casas das famílias.

Com a mudança do código escrito por Will Hays, novas temáticas passaram a ser abordadas no cinema, tornando a proposta dos filmes mais ousada e trazendo mais público para as salas de cinema. Neste sentido Johnston, foi um ator central para o aumento da divulgação de filmes que quebravam alguns tabus da sociedade norte-americana, principalmente em relação ao sexo e à violência. Ele morreu em 1963, deixando vaga a presidência da MPAA, que foi assumida pelo interino Ralph Hetzel até 1966, quando foi indicado pelos estúdios o lobista Jack Valenti, assistente do presidente Lyndon Johnson, que ficaria no cargo até 2004.

Segundo Gomery, Valenti foi responsável por findar a maioria dos pontos pensados pelo conjunto de regras escritas por Hays, seguidas da flexibilização proposta por Johnston. Uma das primeiras medidas feitas em relação ao código foi em 1968, quando adotou o sistema de classificação etária para o cinema, divididos em quatro categorias que definiam o público de cada filme. Este sistema passou a ser utilizado também pela televisão a partir dos anos 1990.

Com uma boa relação com democratas e republicanos, utilizou sua influência em Washington para aumentar o poder dos grandes estúdios, fortalecendo ainda mais a indústria cinematográfica norte-americana. Além disso, foi responsável por conseguir realizar as transmissões da entrega do Oscar⁴ em todo o mundo a partir de 1969. Com a internacionalização da cerimônia da premiação da indústria cinematográfica norte-americana, os estúdios ganharam mais força em outros países, expandindo seus modelos de produção para outros mercados.⁵

Valenti ficou na presidência da MPAA até 2004 devido sua grande influência política. Segundo Gomery, para obter apoio do governo, ele cedia atores do cinema e da televisão para campanhas políticas e atuou em todas as eleições, desde Nixon até George W. Bush. Isto o transformou no lobista mais bem pago dos Estados Unidos nos anos 1990, ganhando cerca de 100 mil dólares por ano para sustentar o poder da indústria cinematográfica em Washington (2008; p. 288-298).

Após a saída de Jack Valenti, foi indicado o democrata Dan Glickman para o cargo. Antigo secretário da agricultura no governo Clinton entre 1995 e 2001, foi indicado para alterar a forma de trabalho da MPAA e integrá-la ao mundo digital, tecnologia que havia se desenvolvido ao longo do fim do século XX e já estava popularizada em 2004. Um dos maiores desafios de Glickman foi a tentativa de combate à pirataria virtual⁶, acompanhando o que a indústria fonográfica já havia feito no início dos anos 2000, quando o criador do Napster foi processado por pirataria por representantes do Metallica, banda de trash metal fundada nos anos 1980.⁷

Em 2011, o cargo foi assumido por Christopher Dodd, senador do estado de Connecticut pelo partido democrata entre 1981 e 2011, que continuou a luta contra os crimes na internet, sendo um dos principais apoiadores da SOPA, uma proposta para criar um conjunto de leis com objetivo de regularizar a navegação na internet, colocando a responsabilidade da pirataria nas pessoas que disponibilizam o material na rede e nos que fazem o download do mesmo.⁸A atuação destas lideranças da MPAA durante o século XX nos mostra como que a indústria cinematográfica está relacionada à política norte-americana. Além da produção de filmes de propaganda na Segunda Guerra Mundial, Guerra Fria e na Guerra contra o terrorismo, as relações entre os estúdios e os partidos eram estabelecidas para fortalecer a indústria e a própria imagem dos políticos. A criação de um "código de disciplina" pelo cinema começou como uma tentativa de fortalecer um determinado grupo e terminou como jogada política, conduzida por lobistas e membros dos governos.

Realizando um exercício: Avatar e Os Vingadores

Partindo da análise da indústria cinematográfica norte-americana em que toda produção deve ser voltada para obtenção de lucro para os investidores e a parte mais expressiva do montante é oriunda das bilheterias internas e externas aos Estados Unidos, os filmes de grande audiência nos cinemas nos mostram um padrão de preferência da sociedade, que consome agendas contidas no subtexto dos longas-metragens.

Escolhemos para o artigo filmes que estão entre as maiores bilheterias dentro e fora dos Estados Unidos. As análises serão realizadas a partir da compreensão dos debates do período em que os filmes foram realizados. Em 2009, período em que os debates sobre o funcionamento das instituições norte-americanas eram evidentes por conta dos problemas oriundos das guerras no Oriente Médio e da crise econômica que levou uma série de grandes empresas à falência no país, Avatar é lançado com uma pauta de discussão sobre o meio ambiente, o papel predatório das indústrias de mineração e a relação entre culturas e povos diferentes.

Avatar (James Cameron, 2009, 162 min), é a maior bilheteria do cinema norte-americano fora do país e a segunda maior dentro dos Estados Unidos⁹, sendo batido pelo sétimo filme da saga Star Wars em 2015. Avatar nos mostra a história do soldado paraplégico Jake Sully (Sam Worthington), que é chamado para substituir seu irmão gêmeo em um trabalho de levantamento antropológico e ambiental durante uma missão de exploração de recursos no planeta Pandora no ano de 2154. Ao chegar ao local, Sully é integrado à equipe da doutora Grace Augustine (Sigourney Weaver) para assumir o controle do Avatar, uma criatura construída em laboratório com as mesmas condições biológicas dos seres de Pandora, produzido para ser utilizado pelo seu irmão.

Em 2012, ano de eleições presidenciais nos Estados Unidos, os debates sobre segurança e instituições ainda eram recorrentes, quando Os Vingadores, produzido pela Marvel Studios, foi lançado. O filme tem uma pauta de relação tensa entre povos diferentes (mais um filme de seres humanos contra extraterrestres) e o debate sobre privatização da segurança do país, presente em outros filmes da série Homem de Ferro.

Os Vingadores (The Avengers, Joss Wheldon, 2012, 143 minutos), quinto da lista das maiores bilheterias dentro e fora dos Estados Unidos, conta a história da tentativa de invasão da Terra por seres alienígenas que vieram ao planeta para exterminar a raça humana. Para combater tal ameaça, é acionado o grupo dos vingadores, formados por heróis icônicos, além do Capitão América, como o Homem de Ferro (Robert Downey Jr.), Hulk (Mark Ruffalo) e Thor (Chris Hemsworth), que se unem para lutar contra os alienígenas invasores na cidade de Nova Iorque. O objetivo dos heróis é claro: união em situação adversa para proteger a liberdade do povo americano, uma vez que a invasão é feita a partir numa das maiores cidades dos Estados Unidos.

Analisaremos os dois filmes a partir das categorias de segurança interna, segurança internacional e a relação com o “outro”, temáticas de debates presentes desde os atentados de 11 de setembro, quando a política em relação aos países do Oriente Médio e potenciais ameaças se tornou uma agenda, perdurando nos governos Bush, Obama e Trump¹⁰.

Segurança interna

Em Avatar, há um debate importante com relação à defesa da vida e dos seus direitos, quando a tribo dos Omaticaya, que habitam o planeta Pandora, resolvem se defender contra a companhia de exploração dos recursos minerais, legitimando o ataque aos mercenários contratados para oprimir os habitantes e garantir a destruição da floresta. Desta forma, os Omaticaya, reivindicando o direito de defender sua propriedade (no caso, as árvores sagradas e as que abrigavam as pessoas), pegam em armas para lutar contra o invasor e vencem. A vitória, neste caso, legitima e reforça a Segunda Emenda.

No final de Os Vingadores, vemos um debate sobre a capacidade destrutiva dos heróis ser uma propriedade privada. Após a vitória do grupo contra os alienígenas, uma série de programas de televisão passam a discutir em como os heróis podem representar uma ameaça à sociedade, uma vez que eles possuem alto poder destrutivo. A resposta que conclui este debate é dada pela enfermeira salva pelo Capitão América: ele não pode ser considerado uma ameaça por ter poderes que tem um alto potencial destrutivo, pois suas habilidades foram utilizadas para salvar vidas e defender a cidade das consequências da invasão extraterrestre. A mesma questão ocorre nas histórias de Hulk, Homem de ferro e Thor. O monstro verde, em filmes anteriores, tenta ser controlado pelo exército e afastado da sociedade para evitar que a "arma" possa ser controlada por agente externos às forças de segurança do estado; Tony Stark, o homem de ferro, a partir de seus conhecimentos tecnológicos, declara que privatizou a paz mundial quando desenvolveu os protótipos da armadura que usa; e Thor teve sua arma capturada por agentes de segurança para evitar que saísse do controle dos órgãos do estado. Todos, em algum momento, foram considerados ameaças e depois absolvidos por terem salvado os cidadãos americanos.

Segurança internacional

No primeiro filme listado podemos ver o debate sobre política externa a partir da a questão da segurança internacional aliada à extração de recursos minerais. Podemos perceber este ponto quando analisamos a forma de atuação da corporação dirigida por Parker Selfridge (Giovanni Ribisi), que investe pesado em tropas mercenárias para garantir a segurança da empresa e "pacificar" a relação com os Omaticaya, resistentes à presença dos terráqueos em seu planeta. Ao mesmo tempo que o processo de securitização é implementado por mercenários, há uma tentativa de investimento na tribo, com intuito de facilitar o trabalho dos mercenários.  Estas medidas são realizadas para garantir a extração de minérios valiosos para a empresa, que seriam revendidos no planeta Terra por altas quantias. Desenvolvido como crítica por James Cameron, a corporação é um retrato dos Estados Unidos na guerra contra o terrorismo, quando o país utilizou empresas de segurança, como a blackwater, para garantir a segurança de empresas (principalmente as petroleiras) e agentes importantes localizados no Afeganistão e Iraque.

No segundo filme, a questão da política externa pode ser vista em determinados momentos na história: o primeiro, mais direto, é a reação do líder da iniciativa vingadores, Nick Fury (Samuel L. Jackson), quando a invasão extraterrestre é vencida pelos heróis. Fury é questionado pelos governantes por ter deixado os heróis "soltos" após a ação e ainda permitir que os fatos que ocorreram na cidade de Nova Iorque tenham se espalhado pelas emissoras de televisão pelo mundo. Em resposta, Fury afirma que sua decisão foi proposital, pois os demais seres que tentarem invadir ou atacar o país sofreriam as mesmas consequências que os alienígenas que tentaram destruir Nova Iorque. Desta forma, a política de manutenção da paz através de um aparato militar fortalecido se mostra clara no pensamento de Fury, que coaduna com o pensamento em relação à política externa americana desde o final da Guerra Fria.

Relação com o “outro”

A questão da relação com o outro também é um tema central em filmes listados nesta categoria. Em The Avengers, os extraterrestres são liderados pelo vilão Loki (Tom Hiddlestom), irmão de Thor, que planeja vingança por ter sido derrotado quando tentou usurpar o reinado de Asgard. Para tal, ele planeja uma invasão seguido de destruição do planeta Terra, local estimado por Thor e que possuía tecnologia para a migração entre mundos, importante para uma nova tentativa de entrar em guerra contra Asgard. O diálogo entre Loki e Tony Stark mostra que não há negociação de paz com o outro: enquanto o primeiro mostra a quantidade de alienígenas preparados para invadir Nova Iorque, o segundo reforça o poderio de suas armas e companheiros, com a frase: "nós temos o Hulk". Os seres invasores, como a maioria dos inimigos que enfrentaram os Estados Unidos ao longo do século XX, não possuem rosto, são todos iguais e comandados por forças externas desconhecidas, mas que não são páreo para o grupo de heróis, que, mesmo em menor número, conseguem destruir todos os alienígenas.

No caso de Avatar, o diretor James Cameron retratou uma guerra ocorrida pela defesa de um território e a exploração de recursos minerais, diferente do que foi realizado no filme da Marvel. Os Omaticaya assumiram o papel de insurgentes a uma ordem imposta pela empresa de mineração, podendo ser comparados ao povo iraquiano e afegão quando contrariados pela política norte-americana de apoiar governos impopulares e promover a entrada de empresas para explorar os campos de petróleo na região¹¹.

Considerações finais

Partindo da análise de que todo filme deve ser compreendido pelos seus diversos textos e o subtexto (TEIXEIRA DA SILVA, 2004), que corresponde ao seu contexto de produção e lançamento, defendemos a tese de que filmes de ficção de grande público devem ser utilizados em sala de aula, de forma que o professor possa realizar um debate planejado e relacionado ao debate da sociedade contemporânea à obra cinematográfica. Desta forma, filmes que possuem uma maior facilidade de contato com os alunos poderiam ser relativizados pelo professor, que auxiliará no processo de reflexão do que está sendo discutindo na história.

Filmes de ficção nos mostram os anseios de uma sociedade contemporânea, em que os heróis e os vilões funcionam como uma representação dos medos e esperanças da sociedade. Obviamente, essas questões só podem ser pensadas a partir da obtenção de “experiências”, defendidas por Marc Bloch (2002) como um dos elementos centrais para o pesquisador desenvolver análises mais consistentes de um objeto.

As “experiências” para análise dos filmes de ficção e os filmes históricos se darão pela vivência dos alunos - a realidade de cada um, como defende Pierre Sorlin (1992) - e pelo papel do professor como mediador dessas informações, que são massificadas pelo cinema muitas vezes sem uma análise. Um dos exemplos mais expressivos desse caso é A vida é bela(La vitta è bella, Roberto Begnini, Itália, 1997, 117 min) em que, sem a devida contextualização e a compreensão de que o cinema não tem compromisso com a verdade, pode ser encarada de forma que o Holocausto possa ser relativizado, levando a acusações infundadas¹².

Portanto, o filme deve ser visto para além de uma ilustração do passado. Ele pode ser compreendido pelo seu presente, analisando o ser humano em seu tempo, o elemento central para todo historiador. Essa percepção aumenta nossas possibilidades de trabalho com filmes em sala, auxiliando em atividades mais dinâmicas e lúdicas para nossos alunos, que se sentem mais próximos do que está sendo estudado.

Referências bibliográficas

FERRO, Marc. O filme: uma contra-análise da sociedade?. In: NORA, Pierre. História: Novos objetos. Rio de Janeiro: Francisco Alves, 1975.

GOMERY, Douglas. The Hollywood Studio System. In: NOWELL-SMITH, Geoffrey. The oxford history of world cinema: the definitive history of cinema worldwide. New York: Oxford University Press: 1997

______________.The Hollywood Studio System: A History. London: British Film Institute, 2008.

ROSENSTONE, ROBERT. A história nos filmes os filmes na História. Rio de Janeiro: Paz e Terra, 2010.

SILVA, F. C. T. Cinema e guerra: um encontro no presente. In: TEMPO, Rio de Janeiro, no. 16.

SORLIN, Pierre. Sociología del cine: La apertura para la historia de mañana. México: Fondo de Cultura Económico, 1992.

SOUZA, Éder Cristiano. O uso do cinema no ensino de História: Propostas Recorrentes, Dimensões Teóricas e Perspectivas da Educação Histórica. In: Escritas, vol 4, 2012.

Notas

1.      Professor adjunto do departamento de História da Universidade de Pernambuco – Campus Mata Norte.

2.      Muitos livros e artigos sobre a temática foram publicados. Para ter uma análise aprofundada sobre a questão, ver: SOUZA, Éder Cristiano. O uso do cinema no ensino de História: Propostas Recorrentes, Dimensões Teóricas e Perspectivas da Educação Histórica. In: Escritas, vol 4, 2012; MOCELLIN, Renato. O cinema e o ensino de História. Curitiba: Nova Didática, 2002.; NAPOLITANO, Marcos. Como usar o cinema na sala de aula. São Paulo: Contexto, 2003; NOVA, Cristiane. O Cinema e o conhecimento da História. In: Olho da História, n.º3, 2003.

3.      A união durou até 1911, quando a principal empresa de rolo de filmes participante do truste, Eastman Kodak, mudou o contrato de exclusividade e passou a vender material para produtoras independentes.

4.      O Oscar criado na década de 1920, sob o contexto do fortalecimento da indústria cinematográfica norte-americana. A primeira cerimônia ocorreu em 1929, quando a associação avaliou os filmes realizados nos dois anos anteriores. Entra as premiações dadas, podemos destacar: Melhor filme artístico, Melhor Diretor de filme dramático, Melhor roteiro adaptado, Melhor roteiro original, Melhor direção de filme de comédia, Melhor atriz, Melhor Ator, e Melhor Filme. Naquele momento, foram doze categorias avaliadas e não existiam todas as categorias que podemos ver nos últimos anos da entrega do Oscar, que acontece no final do inverno nos Estados Unidos (atualmente são 24, sem contar as premiações de homenagens).  A primeira premiação consolidou o poder da chamada Academia, que se expandiu ao longo da década de 1950, quando passou a ser exibida na televisão nos Estados Unidos. Para mais informações, ver: http://oscar.go.com/oscar-history Acesso em: 01/03/2017.

5.      A premiação para melhor filme estrangeiro começou em 1947, ao final da Segunda Guerra Mundial e deu a premiação para o filme italiano Sciuscià, de Vitorio de Sica. Nos primeiros anos, a premiação foi dominada pelos cinemas italiano, francês e japonês, que possuem 9 dos 10 primeiros prêmios entregues nesta categoria. Para mais, ver: http://www.oscars.org/awards/academyawards/legacy/ Acesso em 01/03/2017.

6.      Ver: CNET. MPAA wants ISP help in online piracy fight. Disponível em: http://www.cnet.com/news/mpaa-wants-isp-help-in-online-piracy-fight/ Acesso em 26/09/2014.

7.      Para mais informações, ver: Rolling Stone Brasil. Metallica x Napster aconteceu há 8 anos. Disponível em: http://rollingstone.uol.com.br/noticia/metallica-x-napster-aconteceu-ha-8-anos/#imagem0 Acesso em 01/03/2017.

8. LA TIMES. MPAA's Chris Dodd takes aim at SOPA strike. Disponível em: http://latimesblogs.latimes.com/entertainmentnewsbuzz/2012/01/dodd-lashes-out-at-sopa-strike.html Acesso em 01/03/2017.

9.      Ver: http://www.boxofficemojo.com/alltime/world/ Acesso em 01/03/2017.

10.  As perspectivas de cada governo em relação à temática são distintas: Bush defendeu a política de guerra contra o terrorismo, intensificando a presença das Forças Armadas norte-americanas no Oriente Médio e as fronteiras com os Estados Unidos; Obama retirou as tropas do Iraque e aumentou no Afeganistão e desenvolveu um debate sobre o controle de armas nos Estados Unidos; Bush, no início de seu mandato, discute a finalização do muro entre Estados Unidos e México e a proibição da entrada de imigrantes no país, oriundo das regiões de refugiados. Para ver mais sobre a política externa de bush e Obama, ver: VIDIGAL, A. A. F. Algumas tendências da Política Externa dos Estados Unidos após o fim da Guerra Fria. In: Intellector. Ano III, Vol. III, No.6. Rio de Janeiro, 2007; POWELL, Charles. La política exterior y de seguridad de Barack Obama: ¿Hacia un nuevo paradigma geopolítico estadounidense?. Real Instituto Elcano. Madrid, 2015.

11.  PODHORETZ, John. Avatarocious: Another spectacle hits an iceberg and sinks. The Weekly Standard, Vol 15. No. 15. 2009. Disponível em: http://www.weeklystandard.com/Content/Public/Articles/000/000/017/350fozta.asp# Acesso em 01/03/2017

12.  O filme foi considerado como negacionista, ou seja, que relativiza o Holocausto. Para mais, ver: http://www1.folha.uol.com.br/fsp/ilustrad/fq16059830.htm Acesso em 01/03/2017.